За какими событиями и проектами следить, чтобы оставаться в курсе актуальных тенденций? Как отличить устойчивый тренд от краткосрочной моды и грамотно интегрировать его в проект — без ущерба общей стилистике и авторскому подходу? На эти и другие вопросы мы попросили ответить основательницу и шеф-дизайнера бюро «Уютная квартира» Наталью Преображенскую. А еще больше узнать о трендах, в том числе в контексте выставки Salone del Mobile 2026, можно на лекции Натальи в рамках предстоящих БЕЛОРУССКИХ ДНЕЙ ДИЗАЙНА И АРХИТЕКТУРЫ.

Наталья Преображенская основатель и шеф-дизайнер бюро «Уютная квартира», автор книг «Крутая квартира» и «Сам себе декоратор»

Работа с трендами сегодня — это уже не про визуальную насмотренность в классическом понимании. Это про способность мыслить системно, считывать контекст и видеть причинно-следственные связи между культурой, экономикой и образом жизни человека. Мое профессиональное восприятие трендов во многом сформировалось через обучение в дизайн-школе Istituto Marangoni Milano, где изначально учат смотреть на дизайн как на часть глобальной системы, а не как на набор визуальных решений. Безусловно, ключевые мировые выставки, такие как Salone del Mobile, MaisonandObjet, Paris Deco Off и другие, остаются важнейшими точками для отслеживания трендов. Но их ценность заключается не в самих объектах, а в том, как через них артикулируются изменения в индустрии. При этом принципиально важно работать с источниками первого порядка: лекциями, профессиональными дискуссиями, кураторскими проектами. Именно там формируется язык будущего дизайна — еще до того, как он станет визуальным трендом.

IRD RADICAL HOME. Фото: Ercoli Giancola

В Istituto Marangoni Milano нас научили очень четкому критерию: тренд не существует сам по себе — он всегда является следствием более глубоких процессов. Поэтому, анализируя увиденное на тех же Salone del Mobile или MaisonandObjet, я всегда задаю вопрос: что за этим стоит? Если это изменение связано с технологией, образом жизни или культурным сдвигом, то это устойчивый тренд. Если же речь идет о чисто визуальном приеме, который легко тиражируется, то, скорее всего, это краткосрочная мода.

Именно глубина причины определяет длительность жизни тренда.

Параллельно с моей Лаборатории мы выстраиваем собственную аналитическую практику: вместе с командой системно разбираем тренды прошлых сезонов, сопоставляем их с текущими изменениями в индустрии и формируем прогнозы. Эта структурная работа позволяет нам заранее понимать, какие решения действительно будут востребованы. Далее этот анализ проходит проверку практикой: мы аккуратно внедряем прогнозируемые тренды в интерьеры клиентов бюро «Уютная квартира», наблюдая, как они работают в реальной среде. Именно на этом пересечении аналитики и реализации формируется профессиональное понимание устойчивости тренда.

Следовать трендам буквально — это профессионально слабая позиция. Дизайнер не должен быть проводником моды, он должен быть ее интерпретатором. Если тренд не ложится в вашу систему ценностей, его не нужно копировать. Его нужно понять и трансформировать через собственную эстетику.

NILUFAR GRAND HOTEL, MDW26. Фото: ALEJANDRO RAMIREZ OROZCO

Баланс возникает в тот момент, когда работа происходит не с формой, а с идеей: в этом случае проект остается авторским, но при этом актуальным.

Что касается коммуникации с клиентом, то тут важно переводить язык дизайна на язык последствий. Я всегда объясняю через сценарии: как это решение будет работать через год, три, пять лет. Какие эмоции оно будет вызывать, как оно будет стареть, насколько оно гибкое. Тренд сам по себе не является ценностью. Ценность — в том, насколько он улучшает качество жизни. И, наоборот, важно объяснить заказчику, что риск — это не «немодно», а быстрое моральное устаревание и необходимость переделок.

Poltrona Frau, True Over Time Collection, Manzoni Showroom. Фото: Poltrona Frau

IRD RADICAL HOME. Фото: Ercoli Giancola

Есть простое профессиональное правило: базу проекта нужно строить вне трендов, а тренды добавлять на уровне слоев. Архитектура пространства, планировка, основные материалы — это то, что должно быть вне времени. А вот текстиль, свет, отдельные предметы — именно те зоны, где можно позволить себе актуальные высказывания. Тогда интерьер остается устойчивым, но при этом живым.

Перегорание возникает не от количества информации, а от отсутствия системы. Если дизайнер пытается реагировать на все, он теряет фокус. Если у него есть собственная оптика и критерии отбора, то поток перестает быть хаотичным.

Я всегда говорю: важно не успевать за всем, а понимать, что действительно имеет значение.

Poltrona Frau, True Over Time Collection, Manzoni Showroom. Фото: Poltrona Frau

Я рассматриваю мировые выставки как уже проявленный результат процессов, начавшихся значительно раньше. Поэтому моя личная система строится на анализе нескольких уровней: от кураторских концепций и высказываний дизайнеров до изменений в поведении пользователя и технологических решений, которые только начинают внедряться. Фактически это работа на опережение: не фиксировать тренд, а считывать его предпосылки. Именно это позволяет не догонять индустрию, а двигаться с ней синхронно, а иногда и на шаг впереди.

Лекция Натальи Преображенской «Salone del Mobile 2026: скрытые механизмы трендов и почему дизайн будущего можно просчитать» пройдет 13 мая 2026 года в рамках БЕЛОРУССКИХ ДНЕЙ ДИЗАЙНА И АРХИТЕКТУРЫ. Попасть на нее можно бесплатно по предварительной регистрации на сайте проекта.

На обложке: IRD RADICAL HOME. Фото: Ercoli Giancola.

Отправной точкой этого проекта, который разработали Мария Белоусова и Иван Вишневский из студии BELOUSOVA.INTERIOR, стала концепция вневременного интерьера. Клиент дал карт-бланш на любые решения, включающие натуральные материалы. В результате природные фактуры и элегантный гипсовый карниз формируют ощущение многослойности. Такой подход позволил отразить совместное видение идеального дома дизайнеров и заказчика.

• Локация: Москва
• Площадь: 100 м²
• Авторы: Мария Белоусова, Иван Вишневский, студия BELOUSOVA.INTERIOR
• Фото: Сергей Красюк
• Стиль: Диана Ремизова

Три окна определили планировку квартиры с изолированными кухней-гостиной, мастер-блоком и детской. Оконным проемам в интерьере уделено большое внимание: их подчеркивает массивное мраморное обрамление. Несмотря на логичное распределение функциональных зон, в пространстве использовали сложные архитектурные и декоративные решения. Так, фишкой общественного блока выступила скругленная перегородка, разделяющая столовую группу, гостевой санузел и постирочную. Плавные формы позволяют сохранить ощущение объема и глубину помещения. Ощущение монументальности привносит эффектный гипсовый карниз, подчеркивающий перепад высот потолка над диваном и обеденным столом. Финальным штрихом этой композиции оказалась люстра Cattelan Italia. Закругленный камин поддерживает парадный характер оформления и отсылает к классической архитектуре. Его изгибы вторят пластике стен и мебели. В мастер-спальне появляется еще один акцент — «куб» из шпона со скругленными углами, вместивший хранение для одежды и хозяйскую ванную. В комнате детей разместили две кровати с мягкими изголовьями и пару рабочих зон.

В новую серию под названием Dream/Reality Reality/Dream вошли 19 предметов. В рамках проекта команда лондонской студии исследует, как объекты формируют пространство вокруг себя. По словам авторов, в коллекции дизайн выходит за рамки пассивной функциональности, а предметы повседневного обихода становятся катализаторами восприятия, общения и эмоционального настроя в домашнем интерьере. Среди наиболее выразительных объектов andmdash; поднос из штампованного и прессованного металла, который благодаря визуальной мягкости напоминает текстиль, и кровать со скульптурным изголовьем, вдохновленным работами Сальвадора Дали. Она переосмысляет спальню как творческую, почти сказочную среду на стыке воображения и практичности.

Фото: Six Dots Design.

Токийская студия представила проект Chromatic Symphony of Landscapes andmdash; систему мебели, в которой команда воплотила образ Внутреннего Японского моря и острова Сэнсуидзима. По словам архитекторов, пространственная композиция основана на визуальных характеристиках воды, камня и земли. Объекты отличаются многослойными цветовыми градиентами и текстурированными поверхностями, отсылающими к прибрежным скальным образованиям и геологическим слоям. Элементы можно размещать в любом порядке, экспериментируя с конфигурациями и формируя композиции, воспринимаемые одновременно как мебель и топографический ландшафт. Благодаря гибкости система позволяет по-разному взаимодействовать с пространством, создавая меняющиеся сценарии использования.

Фото: Daisuke Shima.

Отель «Селигер клуб» готовит к открытию флагманский двухэтажный номер «Чучемля», новаторски объединяющий в себе элементы русского стиля. Дизайнеры предложили насыщенный предметами искусства коллекционный интерьер, отсылающий ко множеству исторических эпох: от Руси и классицизма 19 века до современности. Над арт-объектами трудились свыше 15 авторов, их работы дополняют изысканные антикварные предметы, формируя единую концепцию. Дом предлагает высочайший уровень комфорта. Еще на этапе проектирования, авторы учли изумительный вид на Селигер, он открывается из окон и с двух открытых террас, на которые особенно приятно выйти утром после вечерних посиделок у камина.

18 мая в Музее имени Щусева состоится дискуссия с обсуждением русского стиля andmdash; во время нее будут раскрыты секреты дизайна и тайные коды арта «Чучемли». Изучить подробности и забронировать дом для проживания можно по ссылке.

Корейская студия представила вазу Petal, выполненную в рамках философии устойчивого дизайна. Для ее создания команда использовала цветы, которые обычно выбрасываются на цветочных рынках. По словам дизайнеров, ежегодно тысячи тонн цветов сжигаются или отправляются на свалку из-за короткого срока хранения, что приводит к загрязнению окружающей среды. Переработка и формование этого материала в вазы, как отмечает студия, помогает частично решить эту проблему. Каждый объект отличается неповторимым оттенком и текстурой поверхности, а после завершения срока службы изделия подвергаются биологическому разложению, возвращаясь в природу. «Давая новую жизнь цветам, которые иначе использовались бы лишь один раз, мы передаем идею "превращения исчезновения в возрождение"», andmdash; отмечает команда.

Фото: Rebloom Studio.

Как отмечают авторы, проект An Offering to Athens представляет собой художественный жест, отражающий как личную, так и культурную значимость. В центре мурала, расположенного по адресу 28-30 Pallados Street, находится Афина, чей мифологический дар andmdash; оливковое дерево andmdash; символизирует мир и процветание. Обращаясь к этому сюжету, валенсийская студия PichiAvo стремится выстроить диалог между древней мифологией и современной городской культурой. Этому также способствует фирменный стиль команды, сочетающий классические скульптурные образы с яркими граффити. «Греческая культура всегда лежала в основе того, что мы делаем. Эта фреска andmdash; наш способ вернуть что-то взамен, подношение городу, который так долго вдохновлял нас», andmdash; добавляет дуэт.

Фото: PichiAvo.

Для выставки Crystal Crypt, прошедшей в рамках Миланской недели дизайна, Вуд переосмыслила люстру Zénith 1850-х годов. В отличие от предыдущих интерпретаций, британский дизайнер переработала объект в модульную систему. Ее версия состоит из колец, которые могут быть расположены вертикально или горизонтально на перекрещивающейся решетке из натянутых тросов. Как отмечает Бетан Лаура Вуд, кольца создают ощущение вихря, отсылая к эстетике барокко и при этом органично сочетаясь с более сложными архитектурными элементами. В результате люстра объединяет классические детали, предложенные французской хрустальной мануфактурой, с новыми мотивами, характерными для практики Вуд. Цветовая палитра варьируется от зеленого и изумрудного до оттенков сирени и золота.

Фото: Philippe Garcia.

В основе подхода мадридского дуэта Mayice Studio лежит глубокое уважение к истории и поведению материала. Команда стремится создавать предметы дизайна и освещения с индивидуальным характером и эмоциональным подтекстом, которые вступают в диалог с пользователем и окружающим пространством. Мы попросили основателей студии, Иманоля Кальдерона и Марту Алонсо, рассказать о закулисье своего самого раннего реализованного проекта и самого недавнего.

Иманоль Кальдерон и Марта Алонсо основатели Mayice Studio

Первый объект

Фото: Pablo Gómez-Ogando Rodríguez

Проект RFC+, созданный для Королевской стеклодувной фабрики Ла-Гранха, стал для нас отправной точкой во многих решениях, которые мы используем сегодня. Он особенно важен: именно с него началась наша работа со стеклом. До этого мы уже сотрудничали с фабрикой, в 2015 году представив совместный экспериментальный проект в Нью-Йорке, который и открыл для нас это направление. Фабрика располагает выдающейся коллекцией форм, состоящей из более чем 4500 экземпляров. Из этого собрания мы отобрали двадцать две, чтобы создать серию из тринадцати подвесных светильников. Примечательно, что у каждой формы есть собственная история и характер.

Фото: Pablo Gómez-Ogando Rodríguez

Работая над коллекцией RFC+, мы стремились не просто проектировать объект, а понять сам материал и логику его производства. Для нас это принципиально важно: только через знание процесса можно принимать точные дизайнерские решения.

Главный вопрос проекта заключался в том, как работать со светом внутри стекла, не разрушая его ценность. Ключевое качество стекла Ла-Гранхи — прозрачность, и мы хотели ее усилить. Обычный источник света здесь не работал, поэтому мы разработали скрытую систему освещения внутри стекла: благодаря ней материал словно начинает светиться изнутри. Это решение оказалось самым сложным, но именно оно определило результат и стало для нас поворотным опытом в работе со световыми объектами.

Фото: Pablo Gómez-Ogando Rodríguez

Светильники выполнены традиционным способом выдувания стекла на стеклодувной трубке. Сейчас особенно удивительно осознавать, сколько труда скрыто в этой коллекции. Один из неожиданных и почти магических эффектов — концентрические круги, которые проецируются на пол. Этот результат невозможно было полностью предсказать, и он до сих пор каждый раз производит сильное впечатление. RFC+ для нас — это исследование чистоты стекла, его традиции и выразительности.

Последний объект

Объекты для NUET на выставке Before The Light. Фото: Pablo Gómez Ogando

Недавний проект для бренда NUET появился из задачи создать пространство для выставки Casa Decor 2026. Как и всегда в нашей практике, все началось с поездки на фабрику и изучения производственных процессов, чтобы понять материал — на этот раз керамогранит.

Наш метод характеризует в первую очередь то, что мы не используем универсальных решений: каждый проект требует собственного подхода. Но один принцип остается неизменным — мы всегда сначала стремимся понять материал, чтобы затем сформировать идею. Мы начинаем с абстрактного замысла, который постепенно становится объектом, и это возможно только через глубокое понимание сырья и технологии.

Объекты для NUET на выставке Before The Light. Фото: Pablo Gómez Ogando

В процессе для нас важно отказываться только от одного — от избыточности. Мы стремимся дойти до сути материала, убрать все лишнее и прийти к его первичной чистоте. Оба проекта объединяет именно этот подход: сначала понимание материала и его производства, и уже после — работа с его сущностью.

Пространство Mayice Studio х NUET на выставке Casa Decor 2026.
Фото: Nacho Uribesalazar Artazcoz

Керамические объекты для NUET были представлены на нашей персональной выставке Before The Light в Мадриде, а сейчас их можно увидеть в пространстве Al Desnudo на выставке Casa Decor 2026, где они разместились на террасе исторического здания в центре Мадрида. Работа с керамогранитом стала для нас новым опытом. В этом проекте мы использовали материал для создания не только предметов, но и пространственных элементов.

Фото на обложке: RFC+, Pablo Gómez-Ogando Rodríguez.

Заказчик этого проекта познакомился с Еленой Ерашевич, когда купил квартиру в сталинке с созданным ею интерьером. Позже он обратился к дизайнеру с просьбой разработать для него оформление инвестиционной квартиры. Мужчина дал полную свободу творчества, но с ограниченным бюджетом и единственным пожеланием добавить в пространство эмоциональной ценности. Выразительности проекту придает локация: клиент ценит историю, поэтому снова выбрал объект в доме сталинской постройки.

• Локация: Минск
• Площадь: 60 м²
• Автор: Елена Ерашевич
• Фото: Екатерина Самойлович

Поскольку целью клиента было увеличение стоимости объекта при продаже, дизайнер постаралась создать интерьер, который понравится большинству покупателей. В основу проекта легла универсальная цветовая гамма, которую новому владельцу будет легко наполнить личными предметами. Максимально рациональное использование ограниченной площади обеспечила перепланировка, в ходе которой кухню и гостиную объединили в единое пространство. Благодаря балкону с французским окном комната обрела дополнительную освещенность и очарование. За вечернее освещение здесь отвечают лаконичные светильники и винтажные бра в спальне. Теплую палитру природных оттенков Елене Ерашевич подсказала архитектура сталинки и зданий, находящихся по соседству. Однако совсем нейтральным оформление решили не оставлять: проем между кухней с контрастной обеденной группой и зоной отдыха обозначила оригинальная перегородка в алой раме. Органичного перетекания экстерьера в квартиру команде удалось добиться благодаря предметам с историей и кастомным элементам. При демонтаже прежней отделки в кладовке нашли старые лыжи — они стали первым арт-объектом. Их очистили, отреставрировали и дополнили работой художницы: небольшой фрагмент макраме соединил две пары лыж в цельную конструкцию, размещенную на стене напротив входа. Еще одним украшением проекта выступило полотно минского художника Адама Глобуса — его специально выделили как локальный акцент. В приватном блоке нашлось место для панно в технике горячего батика — оно идеально вписалось по цветам.

С 13 по 15 мая 2026 года в Минске в пятый раз пройдет международная дизайн-выставка мебели, отделочных материалов, освещения и предметов декора БЕЛОРУССКИЕ ДНИ ДИЗАЙНА И АРХИТЕКТУРЫ. В юбилейном сезоне гостей ждут стильные экспозиции, новинки и тренды от брендов и международный форум для профессионалов с участием ведущих дизайнеров, архитекторов и экспертов индустрии: Дианы Балашовой, Натальи Преображенской, Ольги Косыревой, Татьяны Белохиной, Михаила Чекалова, Анны Лазарь, Ивана Лобачевского и других. Кроме того, в рамках события пройдут Дни мастеров andmdash; новый спецпроект с мастер-классами и тематическим форумом andmdash; и конкурс декораторского мастерства ЗОЛОТАЯ КЕЛЬМА. Также во время мероприятия состоится экспозиция и церемония награждения MADE SENSE DESIGN AWARD и финал премии KUKHA DESIGN AWARD 2026.

БЕЛОРУССКИЕ ДНИ ДИЗАЙНА И АРХИТЕКТУРЫ пройдут в Минском Футбольном Манеже. Вход на мероприятие бесплатный по предварительной регистрации на сайте.

Юлия Наполова основала бюро PSCulture в 2014 году. Команда состоит из десяти человек и специализируется на культурных проектах разного масштаба, от выставочных павильонов и музейной архитектуры до художественных, исторических и научно-технических экспозиций. Узнали, как разделяются роли между сотрудниками бюро, как выглядит обычный день в офисе PSCulture и о чем мечтает команда.

Как появилась команда и кто ее основал?

Студия PSCulture основана Юлией Наполовой в 2014 году. С самого начала это была маленькая команда, которая стала постепенно расти, и сейчас в бюро работает десять человек. Но даже самый первый проект мы делали вместе и позиционировали как командный.

Каким был ваш самый первый командный проект?

Первый проект — выставка «Москва в годы Первой мировой войны» в Музее Москвы при директоре Алине Сапрыкиной, который мы делали вместе с Юлей Кирильчевой. Тогда как таковой команды не было, и Юля помогала с архитектурой, чертежами и авторским надзором. У нас был разработан графический дизайн — его собрали достаточно быстро, за несколько месяцев. Это также был наш совместный проект с Кевином Конроем, моим другом и партнером, генподрядчиком выставки. До этого Кевин работал в Лондоне, занимался реконструкцией Музея Виктории и Альберта. Благодаря его поддержке и советам Юлия Наполова окончательно решила заниматься музейной архитектурой.

Как устроена ваша команда? Кто за что отвечает?

Костяк команды — это архитекторы, дизайнеры, менеджеры проекта и бэк-офис (IT, бухгалтерия, PR-поддержка и другие специалисты), который занимается тем, чтобы структурировать наши художественные фантазии. В нашей команде — шесть архитекторов, занимающихся проектами разного масштаба и сложности. Иногда мы привлекаем сторонних специалистов: дополнительных визуализаторов, графиков. Если мы делаем проект под ключ, то собираем команду как консорциум — приглашаем куратора в зависимости от заявленной темы и световое бюро.

Как выглядит ваш день: чем живет офис?

Каждый день выглядит по-разному. После пандемии мы перешли на гибридный формат работы и с 2020 года не ходим в офис каждый день, а встречаемся 1-2 раза в неделю. Нашим офисом стало прекрасное арт-пространство «Зайка Space» на Тверской, где, помимо рабочих встреч, мы проводим домашние выставки, вечеринки, лекции, паблик-токи, дискуссии. Обычно «офисные» дни проходят за чаепитием, мозговыми штурмами, обсуждениями эскизов, чертежей, просмотром деталей, материалов. Конечно, мы часто работаем «в полях» – встречаемся на площадках, в музеях, на монтажах. Это позволяет быть достаточно мобильными и гибкими, не скучать, иметь разные картинки перед глазами и не засиживаться.

В чем вы — лучшие?

В проектировании культурных проектов, в работе со смыслами и с пространствами. Мы не занимаемся декорированием и очень внимательно и осознанно относимся к научным концепциям музеев, к первоначальным пространствам, к запросам клиентов. Мы укладываем смыслы в пространство, и эта коммуникация — достаточно уникальное товарное предложение, которое у нас есть. Зачастую архитекторы делают красивые интерьеры — картинки, которые особенно не связаны с контентом, а, скорее, состоят из набора художественных приемов, не всегда до конца осмысленных. Так что наша сильная сторона в том, что мы создаем эту коммуникацию между нарративом куратора, режиссурой и пространством.

Какие у вас есть ритуалы, шутки, традиции?

Ритуалов у нас много. У каждого в офисе есть любимое место — кто-то сидит и работает в кресле, кто-то — за общим столом, кто-то убегает на кухню, но мы все собираемся на чаепитие-кофепитие. Мы очень любим раз в месяц или реже всей командой посещать не наши выставки. Смотрим, что происходит в арт-мире, заходим позавтракать или пообедать вместе, обсуждаем новые впечатления. Еще одной приятной традицией для нас стал просмотр мультфильмов в офисе, особенно зимой.

Нам очень важно сохранять приятную атмосферу в коллективе, потому что в первую очередь мы приходим на работу, чтобы сделать этот мир лучше и самореализоваться. Коллегам из поколения помладше очень важно чувствовать свою сопричастность к чему-то большому, важному, красивому, честному, и при этом находиться в комфортной среде.

Какие качества вы больше всего цените друг в друге?

У нас очень разнообразная команда, и у всех есть свои особенности. Кто-то хочет общаться, кому-то нужно чуть больше времени и пространства. Кто-то заводила, кто-то тихий и спокойный, но в маленьком коллективе особенно важно, как все эти люди взаимодействуют друг с другом. Поэтому подбор людей в команду — это очень важная и непростая задача. И здесь дело не только в навыках, которыми обладает архитектор, но и в целом в характере и общей атмосфере, которая не должна испортиться с появлением нового члена экипажа.

Как вы даете друг другу обратную связь и принимаете решения?

Обратную связь Юлия Наполова дает очень быстро и четко — при этом молодое поколение сотрудников считывает ее очень хорошо. Здесь чувствуется разница поколений: например, те, кому около сорока, иногда стесняются отстаивать свои интересы, а двадцатилетние намного более заточены на артикуляцию своих пожеланий.

Каким проектом вы особенно гордитесь — и почему именно им?

Хочется отметить среди проектов прошлого года выставку «Красная Москва. Женщина в большом городе» в Центре Зотов. И дело не только в архитектуре, которая совершенно изменила выставочное пространство центра. Выставка буквально сделала площадку неузнаваемой: зрители передвигались по маршрутам красных лабиринтов, комнат, разделенных кисеями из красного бархата и жемчуга, и совершенно не понимали, что находятся внутри «бублика». Добиться этого получилось только с помощью очень сложного архитектурного решения, которым мы все невероятно гордимся. Мы сделали этот проект буквально за две-три недели. Благодаря сильному сторителлингу, а также архитектуре, дизайну и всей красоте это был самый посещаемый проект в Центре Зотов за все время существования.

Конечно, нельзя забывать и о филиале Третьяковской галереи в Калининграде. Мы делали историческую экспозицию и детский музей. Это то, чем мы очень гордимся — проекты разные, но точно очень глубокие, выразительные, а архитектура, в свою очередь, помогает передать замысел куратора в пространстве.

Как вы прокачиваете свои навыки и чему стараетесь учиться? Чему научились за последний год?

Мы постоянно учимся, и в этом, конечно, огромный плюс сферы нашей деятельности, ведь специально научиться делать выставки нельзя. Можно научиться делать интерьеры квартир, офисов, проектировать заводы, потому что в архитектуре, как и в дизайне интерьеров, есть определенные принципы. Конечно, и в выставочной архитектуре есть определенные наработки, номенклатура, связанная с мебелью, например. Когда ты делаешь много проектов, рано или поздно получается так, что какие-то вещи дублируются. В выставочной архитектуре так не получается, по крайней мере, не получается у нас — мы делаем всегда что-то новое.

Что касается конкретных навыков архитекторов, то мы часто проходим курсы Андрея Киселёва по новым программам. Еще мы активно используем искусственный интеллект. Освоение буквально трех ИИ-приложений по генерации изображений в разы ускорило нашу работу.

Как часто у вас открываются вакансии? Ищете ли вы кого-то в команду прямо сейчас?

Мы всегда в поиске талантов, и ждем резюме и портфолио на почте hallo@psculture.com.

О чем вы мечтаете как команда — прямо сейчас?

Прямо сейчас мы мечтаем о больших международных проектах. В 2020 году мы участвовали в создании экспозиции для павильона России на «Экспо» в Дубае, и хотим еще больше.

Что для вас архитектура?

В первую очередь это любовь; то, что увлекает, вдохновляет. Это язык, используемый для общения. Это красота и то, что делает наш волнующийся, нестабильный мир хотя бы чуточку спокойнее и прекраснее, улучшая жизнь людей.

Все фотографии предоставлены бюро PSCulture.

Первая неделя мая приглашает совместить прогулки по городу с новыми выставками в музеях и галереях. Центр «Зотов» открывает экспозицию, посвященную квартирам-мастерским домов ВХУТЕМАСа, а Новая Третьяковка показывает работы художника Виктора Калинина. Тем временем в Венеции начинается художественная биеннале, а в Исландии — фестиваль дизайна DesignMarch.

DesignMarch

6-10 мая. Цена: бесплатно

Исландский фестиваль дизайна DesignMarch — синоним оптимизма и креативности. Фестиваль использует возможность сосредоточиться на дизайне как на движущей силе инноваций и проиллюстрировать важную роль архитектуры и технологий в обществе. Темой 2026 года станет «Связь» — явление, без которого город не может быть полноценным.

ВЕНЕЦИАНСКАЯ ХУДОЖЕСТВЕННАЯ БИЕННАЛЕ

9 мая – 22 ноября. Цена: бесплатно

Концепцию 2026 года — «В минорных тонах» (In Minor Keys) — разработала камерунский куратор и ключевая фигура в современном африканском искусстве Койо Коуо, которая скончалась 10 мая 2025 года. Как и всегда, в рамках международной выставки у архитекторов появляется уникальная возможность показать миру амбициозные и креативные идеи, которые помогают представить более справедливое и оптимистичное будущее общества.

II международная биеннале «Искусство будущего»

6 марта – 6 июня. Цена: 700 ₽

В Мультимедиа Арт Музее проходит Вторая международная биеннале «Искусство будущего». В экспозиции будут представлены художественные проекты, созданные с использованием новейших технологий Индустрии 4.0 и Индустрии 5.0, а также рефлексирующие над теми изменениями, которые технологии привносят в жизнь общества и каждого человека. Вторая международная биеннале «Искусство будущего» продолжает исследование взаимодействия искусства, науки и инновационных технологий.

Онлайн-дискуссия «Одинаково разные: как учатся магистры в России. Европе и Азии»

7 мая, 18:30. Цена: бесплатно

На встрече соберутся студенты и выпускники магистратур архитектурной школы МАРШ, Chulalongkorn University и TU Berlin. Они поделятся, как выбирали магистратуру и зачем им это было нужно, как устроена повседневная работа в студиях, какие задачи ставят кураторы и какие навыки считаются ключевыми в процессе обучения. Отдельный блок посвятим профессии архитектора: почему решили остаться и дальше развиваться в архитектуре, что изменилось в восприятии профессии и какие цели участники ставят себе после выпуска.

Выставка «Виктор Калинин. В пространстве жизни»

22 апреля – 21 июня. Цена: 700 ₽

Виктор Калинин стоит в ряду мастеров, определивших облик российского искусства второй половины ХХ – начала ХХI века, и принадлежит к поколению художников-«семидесятников». В его работах преобладает монументальное начало, а образы воплощаются то в фигуративной, то в почти абстрактной манере. Предметы и фигуры, переданные с помощью плоскостного письма, складываются в объёмы, напоминающие драгоценные камни. Мастер сочетает разные виды мазков – протяжные и прерывистые, плотные и полупрозрачные, – создавая богатую фактуру и выразительный колорит.

Выставка «Дом 21. В гостях у художников»

30 апреля – 30 августа. Цена: 900 ₽

Выставка проведет по квартирам-мастерским знаменитых домов ВХУТЕМАСа на Мясницкой,  21. Краснокирпичные здания по этому адресу стали одним из эпицентров русского искусства 1910–1930‑х годов. Посетители совершат воображаемое путешествие в пять квартир, где жили и работали выдающиеся художники XX века: Александр Родченко и Варвара Степанова, Александр Древин и Надежда Удальцова, Петр Митурич и Вера Хлебникова, Густав Клуцис и Сергей Сенькин, Владимир Фаворский и его ученики.

Выставка Сергея Вэ «Фантомный свет»

25 апреля – 24 мая. Цена: 400 ₽

Галерея ЛУЧ представляет вторую персональную выставку художника Сергея Вэ. На ней представлены работы в технике живописи на холсте и на МДФ, его знаковые мозаики с новыми сюжетами и витраж с подсветкой. В этот раз в центре внимания художника – город, экраны и освещение, искусственные источники света и отражения. Вся экспозиция объединена эстетикой киберпанка, в которой он часто работает. Подчеркнутая материальность работ Вэ убеждает в приоритете света над нестабильной формой. Обычный городской пейзаж, отраженный от зеркального стекла, обретает собственную внеразумную жизнь.

Олег Доу. Кибер-Эдип

14 апреля – 22 мая. Цена: бесплатно

Художник балансирует между фотографией и симуляцией, его работы притягивают безупречной красотой и тревожат ощущением утраты подлинности. Обращаясь к мифу об Эдипе, Доу переосмысляет архетипические темы желания и запрета через язык современных технологий: цифровые изображения соседствуют с силиконовыми скульптурами, существующими на границе органического и искусственного.

PAWS COMMS × Set Projects: «Выставка кошек»

29 марта – 10 мая. Цена: бесплатно

На этой выставке никаких медалей самой лучшей кошке, потому что все кошки одинаково прекрасны — и это докажут авторы. Кошка в проекте — не просто милый персонаж, а культурный код: интернет-икона, домашний идол и самостоятельный художественный образ.В цифровой среде этот образ давно стал перенасыщенным и бесконечно воспроизводимым. «Выставка кошек» предлагает посмотреть на него иначе — замедлить взгляд и вернуть кошку из потока изображений в пространство реального опыта и художественной практики.

На обложке: Инсталляция Сони Стереостырски «Гости из будущего», Вторая международная биеннале «Искусство будущего» МАММ.

Творческий дуэт Давида Меана и Азул Виво отреставрировал особняк 1883 года, превратив его в собственное пространство в центре Мадрида. Строгость вневременной архитектуры дизайнеры подчеркнули точечным использованием цвета. Эта идея вдохновлена недавним трендом «теория неожиданных акцентов» в соцсетях. Чаще всего доминантой становится красный, но пара предпочла синий «кляйновский» оттенок.

• Локация: Мадрид
• Площадь: 170 м²
• Авторы: Давид Меана и Азул Виво, DIIR
• Фото: Луис Диас Диас

Этот проект преображения социального жилья отражает уважительный подход художницы Азул Виво и архитектора Давида Меана к сохранению исторического наследия. Сложная структура здания, включающего в себя приватный блок и пристройку, подсказала команде распределение функциональных зон. В пристройке расположилась мастерская архитекторов с собственным входом, а в основном корпусе — жилое крыло пары. Визуально объединить две части пространства позволил внутренний двор, который раскрыли и дополнили новыми растениями. Первый этаж с открытой планировкой заняли общественные зоны — гостиная, столовая и кухня. Спальные комнаты дизайнеры, наоборот, вынесли на второй, более тихий уровень. Винтовую лестницу из нержавеющей стали проектировали как доминанту светлого интерьера: она выступает вертикальной осью здания. Для студии DIIR ее возведение оказалось настоящим строительным экспериментом. Теперь текстура металлических листов на ступенях и кухонном гарнитуре выделяется на фоне молочно-белой декоративной штукатурки. Привнести в лаконичную палитру уюта помогли кастомная корпусная мебель и элементы из дуба. Контрастными тонами выступили более темные сорта дерева — они точечно появляются в каждом помещении. Бесшовное оформление призвано подчеркнуть коллекцию искусства хозяев дома. Они собирают живопись и арт-объекты, объединенные культовым синим оттенком, который был запатентован французским художником Ивом Кляйном в 1960 году.

В этом году ведущий международный профессиональный форум в сфере архитектуры пройдет в Барселоне, которая уже принимала конгресс тридцать лет назад. С 28 июня по 2 июля мероприятие объединит 10 000 участников и 250 экспертов в рамках более чем ста сессий. Всемирный конгресс архитекторов UIA 2026 посвящен теме Becoming. Architectures for a Planet in Transition и включает центральную выставку площадью 4000 квадратных метров в культурном пространстве Three Chimneys, а также события на разных площадках Барселоны. Программа выстроена вокруг шести тематических направлений, ориентированных на решение ключевых задач современной архитектуры в разных масштабах и дисциплинах andmdash; от экосистем и жизненного цикла зданий до геополитики, жилищной среды и общественных пространств. Организаторы предлагают многоуровневый формат, в котором сосуществуют и дополняют друг друга пленарные заседания, лекции, дебаты, презентации исследований, семинары и открытые форумы, способствуя обмену знаниями и вовлечению участников.

«Конгресс открыт не только для архитекторов, но и для широкой аудитории, поскольку изменения, которые мы переживаем, выходят за рамки одной дисциплины. Полифония точек зрения, географий и практик объединяется в поиске общей мелодии. В этом и заключается уникальность конгрессов UIA, проходящих раз в три года: архитектура перестает говорить только сама с собой и начинает слушать, взаимодействовать и создавать общую симфонию», andmdash; отметила Тереза Табоас, вице-президент Международного союза архитекторов (UIA) и вице-президент конгресса.

Изображение: Anfibio.

Фото: Arnau Rovira; Lourdes Jansana.

Модульная система платформ, разработанная швейцарским архитектором и дизайнером для мебельной фабрики, позволяет создавать ступенчатые ландшафты, а также легко реконфигурировать и демонтировать их, подобно конструктору. С помощью Reset пользователь может постоянно переосмыслять жилые и рабочие пространства без тщательного планирования и структурных изменений. «Мне было интересно, что происходит, когда пол перестает быть двумерным и становится пространственным andmdash; когда он развивается вертикально и начинает выполнять новые функции», andmdash; рассказывает Хюрлеманн. Конструкция основана на принципе уменьшения количества элементов. По задумке дизайнера, простые соединения и ограниченное число деталей обеспечивают интуитивное использование, позволяя быстро и в игровой форме адаптировать пространство. Все конфигурации строятся на квадратных платформах размером 75 × 75 см и высотой 28 см. Каждый модуль состоит из трех компонентов andmdash; панели и двух элементов подконструкции andmdash; с минимальным количеством соединений. Систему дополняют мягкие подушки, которые обеспечивают комфорт и влияют на характер конфигураций: меньшее количество формирует пространства для коротких встреч, а большее andmdash; зоны для длительного пребывания и уединения.

Фото: andcopy;Huerlemann, andcopy;Vitra.

Павильон a floating stone расположен на зеленой аллее в Пекине, контрастируя с городским пейзажем. Для его создания команда Bufen Atelier использовала мрамор в трех оттенках andmdash; серо-белом, черно-золотом и приглушенно-зеленом. Конструкция собрана так, чтобы подчеркнуть текстуру и вариативность материала, а треугольная форма отсылает к идеям стабильности и ясности. Несмотря на массивность, павильон слегка приподнят над землей, создавая эффект парения. По задумке авторов, компактная форма, четкость материалов и утонченный рельеф создают момент паузы в непрерывном потоке движения.

Фото: Bufen Atelier.

Нью-йоркская дизайн-студия MPNYC трансформировала промышленный склад XIX века в многофункциональную культурную площадку Castor Place в греческом городе Пирей. В рамках проекта команда переосмыслила историческую каменную оболочку как гибкую и открытую среду для лекций, выставок, перформансов и общественных собраний. Авторы удалили архитектурные слои, накопившиеся со временем, восстановили первоначальные проемы и вновь сделали естественное освещение ключевым пространственным элементом. Модульные сценические системы, адаптивное освещение и открытая планировка позволяют менять конфигурацию пространства в зависимости от задачи. Интерьер выстроен как последовательность взаимосвязанных зон. Так, холл подчеркивает промышленный масштаб и рассчитан на крупные собрания, а атриум с верхним светом создает более мягкую атмосферу. Лофт, расположенный выше, представляет собой приподнятую гибкую платформу с видом на основное пространство. Вместе эти элементы формируют непрерывное пространственное повествование.

Фото: andcopy; Yiorgos Kaplanidis.

Заказчицей Надежды Табакиной выступила современная энергичная девушка, для которой дизайнер уже проектировала интерьер загородного дома. Результатом первого опыта сотрудничества было сдержанное и лаконичное оформление, но в этот раз клиентка оказалась готова выйти за рамки привычных решений. Поскольку она обратилась с просьбой оформить квартиру под сдачу в аренду, основной задачей было привлечение внимания будущего жильца.

• Локация: Минск
• Площадь: 45 м²
• Автор: Надежда Табакина
• Фото: Екатерина Самойлович
• Стиль: Лизавета Данещик, Анна Кеда

Исходная планировка объекта была свободной: единственными ограничениями дизайнерской фантазии оказалась несущая колонна и границы санузла. В первую очередь Надежда Табакина выделила изолированную зону отдыха с двуспальной кроватью. Кухню решили перенести и объединить с гостиной, чтобы максимально рационально использовать ограниченный метраж. Здесь удалось разместить полноценно оборудованный гарнитур с пестрой плиткой на фартуке, полубарный остров со встроенным хранением и мягкую группу с диваном. Изюминкой оформления выступил приглушенный хвойный оттенок, визуально «собирающий» все части дома. Сильнее всего он заметен на нижних фасадах кухни и в покраске стен коридора. Акцентная поверхность с первых шагов транслирует расслабленное настроение интерьера. Главным инструментом зонирования оказалась стеклянная перегородка в графичной черной раме. Она позволила отделить приватную комнату от места приема гостей, не перегружая пространство. Добиться ощущения уединения арендаторы смогут за счет плотной серой портьеры. От насыщенных зеленых и коричневых тонов Надежда Табакина отказалась: неожиданным элементом стала отделка оконных откосов деревянными панелями. Избавиться от атмосферы безликой квартиры под сдачу помогли элегантный декор, полотна Петры Климович, графика Василисы Василевской и художницы Лены Гиль.

По заказу компании датская архитектурная студия трансформирует бывший склад в Эльмхульте в Музей изучения мебели и платформу для исторического и современного дизайна. Команда сохранит стальной каркас здания, фермы крыши и бетонный пол, дополнив их тремя окнами, которые сделают пространство более открытым и доступным. Студия также спроектирует деревянную пристройку с мезонином и небольшими изолированными помещениями. «Мы подошли к проекту как к точной трансформации, работая с тем, что уже существует, а не заменяя его. Склад обладает сильными пространственными и материальными качествами: он прочный, гибкий и готов к новому использованию. Нашей задачей было развить эту логику, а не переписать ее», andmdash; отметил основатель Cobe Дэн Стуббергаард. На первом этаже обновленного здания разместятся учебные пространства, выставочные зоны и мастерские. На антресольном уровне будет представлена открытая коллекция из более чем 800 предметов дизайна, а в центре музея пространство двойной высоты сформирует так называемый «каньон» для проведения временных выставок. Ожидается, что музей откроется в феврале 2027 года.

Изображения: IKEA.

Американский художник курировал проект Chawan Cabinet, открывшийся в пространстве бренда на Via Montenapoleone в рамках Миланской недели дизайна. Выставка посвящена японской керамике и объединяет сотни предметов, отобранных с акцентом на повторении, тонких вариациях и едва заметных следах человеческого прикосновения. В центре экспозиции andmdash; чаван, или чайная чаша, используемая для приготовления матчи и других чайных церемоний, а также юноми (чайные чашки), гиноми (чашки для саке) и токкури (бутылки для саке). Для их демонстрации используется антикварный аптекарский шкаф из студии художника. Другие изделия размещены на модульных металлических стеллажах, занимающих всю ширину противоположной стены, и соседствуют с работами японских керамистов и предметами из коллекции Prada Home.

Фото: Empty Space; Prada Home.

Долгожданные праздники дают возможность спокойно восстановить силы, а российские и зарубежные конкурсы и опен-коллы подсказывают, куда их направить. Среди творческих заданий этого месяца: поиск визионерских решений в области деревянного домостроения, проектирование сауны в Исландии и создание авторских малых архитектурных форм. Художники и деятели искусства тоже не останутся в стороне: их приглашают поучаствовать в резиденциях несколько регионов России.

London Design Awards 2026

London Design Awards 2026 — международная открытая премия, отмечающая проекты, демонстрирующие выразительный визуальный язык, инновационное мышление и высокий уровень профессионального исполнения. К участию приглашаются архитекторы, дизайнеры интерьеров, предметные, графические и UX/UI-дизайнеры, а также студии и независимые авторы со всего мира. Премия принимает реализованные, концептуальные и находящиеся в разработке проекты, созданные после 1 января 2021 года.

Дедлайн регистрации: 8 мая
Дедлайн подачи заявок: 8 мая
Цена: от $209
Особые требования: Конкурс международный и открыт для профессионалов. Проекты могут быть поданы в одну или несколько категорий.
Награда: Победители получают сертификат и значок премии, возможность приобрести трофей, международное PR-продвижение, публикацию в онлайн-галерее и в альманахе Arte Collection.

Open-call ПИК х NOWADAYS office

Современная городская среда состоит из множества спроектированных человеком элементов — от малых объектов до крупных проектов. Лаборатория предлагает взглянуть на панельную архитектуру как на поле, где техническая реализуемость и архитектурное качество могут быть объединены. Задача лаборатории — найти баланс между производственными ограничениями и художественным взглядом. Организаторы хотят собрать команду, которая сможет работать на стыке проектирования, исследования и разработки реальных решений для масштабной городской архитектуры.

Дедлайн регистрации: 10 мая
Дедлайн подачи заявок: 10 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: К участию приглашаются студенты старших курсов и молодые специалисты в области архитектуры, дизайна и смежных дисциплин. По итогам лаборатории будут созданы бриф для архитектурных бюро, программный плагин и конкретные фасадные решения.
Награда: Победители опен-колла присоединятся к составу лаборатории.

Конкурс «Мета Архитектура»

«Мета Архитектура» — это первый в своем роде конкурс, который рассматривает здания, города и интерьеры не просто как физические объекты, а как живые системы, способные гармонизировать или диссонировать с человеческой энергией. Участникам предлагается найти ответы на главные вопросы современности. Замысел конкурса направлен на выявление и поддержку лучших архитектурных, градостроительных и дизайнерских решений, которые способствуют развитию комфортной и гармоничной среды. Среди номинаций: «проектирование территорий», «общественное и жилищное проектирование», «дизайн интерьера» и «ландшафтный дизайн».

Дедлайн регистрации: 10 мая
Дедлайн подачи заявок: 10 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: К участию приглашаются архитекторы, градостроители, дизайнеры — студенты и профессионалы.
Награда: Лучшие проекты-финалисты будут представлены на специальной выставке в холле и главном зале Симпозиума, получив внимание профессионального сообщества, экспертов в области энергетических практик и широкой публики.

Конкурс на участие в арт-резиденции «Сопка»

В Магадане стартовала первая резиденция для художников. Среди возможных тем творческих проектов — золотодобыча и портовая инфраструктура, вечная мерзлота и северные ландшафты, геология и сейсмология региона, а также культура коренных народов Севера, повседневная жизнь города и его обитателей. От резидентов ждут создания новых художественных высказываний — произведений, через личный опыт, рефлексию и исследование культурного кода региона. Работы резидентов станут частью выставки в Рынде.

Дедлайн регистрации: 10 мая
Дедлайн подачи заявок: 10 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: Конкурс открыт для художников от 18 лет независимо от региона проживания.
Награда: Резиденты смогут жить и работать в Магадане, выезжать в поселки и самостоятельно выбирать направление художественного исследования.

Iceland Slow Sauna

На фоне мистических пейзажей озера Миватн на севере Исландии организатор предлагает участникам конкурса спроектировать уютное место отдыха, объединяющее сауну и оранжерею в единое целое. Каждый проект должен отражать философию устойчивого развития, аутентичности и расслабления. Миссия проекта — создание продуманной устойчивой архитектуры, которая глубоко созвучна природной локации.

Дедлайн регистрации: 11 мая
Дедлайн подачи заявок: 11 мая
Цена: €120
Особые требования: Конкурс открыт по участникам со всего мира.
Награда: Первый приз составляет €5000, второй — €2500, а третий — €1000.

Арт-резиденция «Гало»

В прошлом году арт-резиденция «Гало» получила более 170 заявок на междисциплинарное направление, и два автора реализовали свои проекты в разных локациях Черноголовки. В новом сезоне направление предполагает работу четырех авторов с культурной идентичностью городской среды. Художникам предлагается, опираясь на собственный художественный язык и инструментарий, исследовать культурный слой Черноголовки и интегрировать свое высказывание в городскую среду. Заявки должны соответствовать теме сезона — «память», учитывать междисциплинарный подход и отражать интерес к архитектурному наследию в целом и советскому модернизму в частности. От участника важна готовность работать с культурным и природным кодами города.

Дедлайн регистрации: 12 мая
Дедлайн подачи заявок: 12 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: Подать заявку на участие могут как известные, так и начинающие авторы вне зависимости от возраста, города проживания, жанров и техник. Для участия в открытом конкурсе необходимо заполнить заявку на сайте арт-резиденции, приложив портфолио и мотивационное письмо, объясняющее интерес автора к Черноголовке.
Награда: Выплата гонорара 50 000 рублей, оплата логистических расходов до 30 000 рублей, размещение в квартирном фонде арт-резиденции, полностью оборудованном для комфортного проживания, от 14 до 21 дня.

Студенческий конкурс визионерских решений в области деревянного домостроения

Цель конкурса — выявить талантливых архитекторов и дизайнеров, готовых предложить проектные решения индустриального деревянного строительства из CLT-панелей. Участникам предстоит показать концепции, посвященные архитектурным и планировочным решениям с использованием материала CLT. Авторы, прошедшие техническую экспертизу, смогут представить свои работы в рамках открытых презентаций перед экспертами, по итогам которых будут определены победители.

Дедлайн регистрации: 15 мая
Дедлайн подачи заявок: 15 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: Подавать заявки на участие могут студенты профильных вузов со всей России.
Награда: Лучшие авторы получат стипендии до 100 000 ₽.

Open-call в Летнюю школу урбаниста

Летняя школа урбаниста — федеральная образовательная программа, в рамках которой студенты работают с реальными задачами территориального развития. Они проходят конкурсный отбор, формируют междисциплинарные команды и разрабатывают проектные предложения для конкретной территории Ленинградской области. В 2026 году участникам предстоит проработать концепцию туристического развития Тихвина. Проектная работа строится как последовательный переход от аналитики к проектированию.

Дедлайн регистрации: 17 мая
Дедлайн подачи заявок: 17 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: К участию приглашаются студенты 2-5 курсов бакалавриата и 1-2 курсов магистратуры, изучающие дисциплины «Государственное и муниципальное управление», «Социология», «Градостроительство», «Архитектура и дизайн», «Анализ данных», «Территориальное развитие», «Экономика» и другие смежные области.
Награда: Победители станут резидентами Летней школы урбаниста.

Смотр-конкурс «Лучший нетиповой МАФ-2026»

Появление нетиповых объектов способствует поддержанию идентичности территории и стимулирует развитие дизайна. От наличия и качества МАФов зависят функциональность и привлекательность территории. Отметить лучшие проекты в этом направлении призван конкурс «Лучший нетиповой МАФ-2026». Участникам нужно представить реализованные проекты, установленные в период с 2017 по 2025 год. Предусмотрены три номинации: «Большой нетиповой МАФ», «Малый нетиповой МАФ» и «Арт-объект».

Дедлайн регистрации: 25 мая
Дедлайн подачи заявок: 25 мая
Цена: бесплатно для муниципальных образований и членов АТР
Особые требования: В конкурсе могут участвовать дизайнеры, архитекторы, художники-авторы МАФ, а также муниципальные образования, на территории которых находятся проекты.
Награда: Победители конкурса получают дипломы за подписью Министра строительства и жилищно-коммунального хозяйства РФ и призы от партнеров.

Конкурс для дизайнеров интерьера в рамках проекта «Вещи перемен»

Участникам конкурса предстоит разработать концепцию преобразования двух пилотных центров вещевой помощи в Пскове и Рязани — сделать их комфортными, уважительными и эстетичными. Важное условие конкурса — никакого капитального ремонта: только интерьерные решения, текстиль, свет, зонирование и грамотное оборудование, которые можно тиражировать в других НКО, развивая систему вещевой помощи по всей России.

Материалы для обновления помещений предоставит компания «Лемана ПРО». Дедлайн регистрации: 26 мая
Дедлайн подачи заявок: 26 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: В конкурсе могут участвовать студенты и выпускники направлений пространственного дизайна Британки. В конкурсе могут участвовать как соло дизайнеры, так и команды до 3х человек.
Награда: Проект-победитель станет эталоном работы с пространствами вещевой помощи и ляжет в основу решений для НКО по всей стране. Победитель получит сертификат в «Лемана ПРО» на 50 000 рублей.

Конкурс «Rome Rain Romes»

В рамках нового конкурса архитекторам со всего мира предлагается переосмыслить способы адаптации городов к росту уровня воды. Участникам предстоит спроектировать небольшие павильоны, которые будут собирать и хранить дождевую воду, обеспечивая при этом комфорт жителям города. Дизайнеры могут выбрать любое место в Риме, подходящее для их концепции, от внутреннего двора или рыночной площади до тихого уголка площади. В приоритете — проекты, которые сочетают экологическую составляющую с эффектным визуальным образом.

Дедлайн регистрации: 28 мая
Дедлайн подачи заявок: 28 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: Конкурс открыт для архитекторов, дизайнеров и визионеров со всего мира.
Награда: Первый приз составляет $5000, второй — $2500, а третий — $1000.

IX Archpoint Concept Awards

Оргкомитет АСА ждет на конкурс нереализованные проекты жилых и общественных пространств, в декоре, предметах, планировке, концепции которых используются элементы «русского стиля». Вместе с жюри премии участники будут искать ответ на вопрос – что такое русская идентичность в дизайне интерьера. В этом масштабном исследовании не будет места временным рамкам – приветствуются стилистические отсылки как к эпохе Древней Руси, так и к русскому космизму, к русским утопиям и другим направлениям мысли. В качестве конкурсной работы может быть представлен только нереализованный концептуальный проект жилого/общественного интерьера.

Дедлайн регистрации: 31 мая
Дедлайн подачи заявок: 31 мая
Цена: бесплатно
Особые требования: Конкурс открыт для дизайнеров и архитекторов старше 18 лет.
Награда: Первое место – 200 000 рублей, второе место – 100 000 рублей, третье место – 50 000 рублей.

Фото на обложке: Archpoint Concept Awards.

Квартира, над которой работали Татьяна Архипова и Евгения Басова, располагается в московском ЖК «Сады Пекина». Заказчики уже не в первый раз обращаются к команде: в этот раз они приобрели жилье для подрастающей дочери, а пока она не переехала, планировали сдавать пространство в аренду. Их основным пожеланием был современный и вневременный интерьер, который будет выглядеть актуально даже через десять лет.

• Локация: Москва
• Площадь: 63 м²
• Авторы: Tatiana Arkhipova Interior Design Studio, Татьяна Архипова, Евгения Басова
• Фото: Михаил Чекалов
• Стиль: Ксения Прохорова

Одной из сложностей проекта было сочетание сразу нескольких задач. Дизайнерам предстояло отразить стилистические предпочтения заказчиков и адаптировать их под образ жизни сначала потенциальных арендаторов, а затем — молодой девушки. Эффектные помещения с панорамными окнами заняли спальня и гостиная. Полностью изолировать их не стали: зрительно увеличить пространство призвана прозрачная перегородка, которую при необходимости можно закрыть рулонными шторами. Чтобы не тратить драгоценные квадратные метры, студия Tatiana Arkhipova Interior Design отказалась от коридоров в пользу плавных транзитных зон. В глубине квартиры расположились постирочная, санузел и большая гардеробная. Решение с переносом бытовых функций из жилых комнат обеспечило визуальную чистоту оформления. Теперь гостиная предназначена только для семейных завтраков и посиделок с друзьями. Если хозяева дома захотят поработать удаленно, они смогут прикрыть дверь в спальню без ущерба освещенности. Винтажный письменный стол нашелся в одном из магазинов Санкт-Петербурга. Теплый характер проекта определили фактуры натуральных материалов — инженерной доски из дуба, обивки из ткани букле и латуни в элементах мебели и освещения. Графичность перегородок поддерживает рисунок ковра и строгость городского пейзажа за окном. В интерьере команда использовала много кастомных предметов: зеркало и банкетка в прихожей, диван, кровать и кресло выполнены по авторским эскизам. Светлый мрамор для ванной нашли у каменщиков в крупноформатных слэбах — их монтаж оказался для мастеров необычным опытом. Ощущения обжитости сюда привнесли картины современных художников.

Аксессуары для домашних животных не должны нарушать визуальную чистоту и настроение интерьера. Чтобы грамотно вписать все необходимые питомцам зоны, дизайнеры закладывают их еще на этапе чертежей. Собрали несколько проектов, в которых лапомойки, когтеточки, лежанки и скрытые лотки становятся полноценными героями пространства.

Песочные оттенки, синие акценты и теплое дерево в интерьере квартиры Ангелина Стриженок

Фото: Дарья Волкова

В процессе проектирования этого интерьера дизайнер Ангелина Стриженок обратила внимание на особенности жизни семьи с домашним животным. Чтобы мебель и текстильные обивки не страдали от когтей кота хозяев, она использовала износостойкие ткани.

Гармония бетона и природных фактур в интерьере просторной квартиры Dkart Design Studio

Фото: Константин Пырьев

Сердцем квартиры, оформленной по проекту Dkart Design Studio, оказалась уютная гостиная с глубокими креслами и модульными диванами. Чтобы питомцы не нарушили визуальную гармонию, дизайнеры выбрали кофейные столики из бетона Mogg Olo. Они крепкие и тяжелые, поэтому перевернуть или разбить их не удастся.

SPA-зона для питомцев и деревянные окна в интерьере квартиры со сдержанной палитрой Ольга Зубарева

Фото: Антон Лихтарович

Ритм жизни заказчиков и их домашних любимцев — джек-расселов Майло и Морошки — Ольга Зубарева закладывала в проект еще на стадии чертежей. Чтобы по квартире не разносилась грязь после прогулок, в гостевом санузле появилась компактная лапомойка. Она не бросается в глаза, но упрощает быт хозяевам.

Статусный черно-белый интерьер для молодой пары RUI Design

Фото: Ши Юньфень

Наполнение этой просторной квартиры в Пекине адаптировали под досуг кошек ее владельца. По словам команды RUI Design, каждая часть дома предусматривает игрушки и когтеточки для любимых питомцев семьи. Чтобы обезопасить мягкую мебель от их когтей и зубов, дизайнеры подобрали прочную обивку из специальных тканей.

Квартира в голубых тонах с элементами mid-century modern Kononov Studio

Фото: Елизавета Кулененок

Особое внимание команда Kononov Studio уделила любимцу семьи заказчиков, коту Дарту. Для него спроектировали игровую зону в виде бревна-когтеточки и отдельное скрытое место под лоток. Реализовать эту задумку было нетрудно, поскольку большая часть мебели создавалась на заказ. Легкий оттенок дерева не перегружает общую палитру холодных голубых тонов.

Мягкий интерьер квартиры для девушки с двумя кошками студия Marta-Kosta

Фото: Антон Лихтарович

Команда студии Marta-Kosta создала интерьер небольшой квартиры в ЖК «Суббота» для молодой девушки с двумя кошками. Заказчица попросила продумать места для отдыха ее питомцев — для них предусмотрены широкий подогреваемый подоконник и диван с антивандальной обивкой.

Микс теплых оттенков и фактурной древесины в интерьере квартиры для супругов Инна Азорская

Фото: Ольга Шангина

В этом проекте Инны Азорской много кастомных решений. Даже в кладовой, где разместился туалет для любимых домашних котов, есть оригинальные технические приемы. Например, дизайнер добавила круглое отверстие к одной из стен и украсила его декором в виде кошачьей мордочки, поскольку клиентка не хотела постоянно держать дверь помещения открытой.

Зоны для хобби и место для кошки в светлом интерьере квартиры для молодой пары бюро ZROBIM architects

Фото: Ксения Варавко

Клиенты бюро ZROBIM architects попросили дизайнеров учесть в интерьере любовь их кошки Фроси к уединенному отдыху. Ее лежанки постарались сделать незаметными — одну из них, например, встроили в шпонированные шкафы, частично переходящие из прихожей в гостиную.

Уютный интерьер квартиры с необычной планировкой и практичными спальнями Ольга Фокина

Фото: Максим Максимов

Не все владельцы домашних животных стремятся выносить их лежанки и когтеточки на показ, зато каждый хочет уберечь мягкую мебель от когтей и зубов. Чтобы учесть такую просьбу своих заказчиков, дизайнер Ольга Фокина обратилась к износостойким материалам и специальным пропиткам. Они призваны надолго сохранить ощущение свежего ремонта.

Серо-бежевый интерьер с деталями из дуба и видом на залив VIEW studio

Фото: Дмитрий Цыренщиков

Дизайнеры VIEW studio сосредоточили в постирочной этой квартиры максимум функций. Стиральная и сушильная машины вмонтированы в объем колонны со встроенными шкафами. С ним соседствуют зона глажки и компактная лапомойка для любимой собаки семьи.

Лаконичная квартира с панорамными окнами Анастасия Клименко

Фото: Дмитрий Горелов

Центром притяжения в гостиной квартиры, оформленной по дизайну Анастасии Клименко, служат модульный диван и телевизор. Свободная расстановка мебели обеспечила наличие пространства для вечеринок и приема гостей, что было особенно важно для заказчика. Интерьер дополняет «вязаная» лежанка для собаки Hunting Pony.

На обложке: проект RUI Design, фото: Ши Юньфень.

Арочная бетонная конструкция служит не только входом, но и галереей, обрамляющей и защищающей скульптурный дверной проем на западной стороне кафедрального католического собора в городе Анже. Плавные изгибы контрастируют со строгими готическими линиями здания. Выразительный эффект усиливается за счет архивольтов andmdash; серии декоративных полос. По словам команды японской студии, 21-метровая пристройка призвана создать гармоничный диалог с архитектурой средневекового здания, возведенного между XII и XIII веками. «Мы стремились поставить себя на место средневековых строителей и выстроить систему пропорций с помощью циркуля, чтобы добиться единства. Именно этот технический процесс придает проекту современное звучание, оставаясь частью архитектурной истории», andmdash; отметили авторы.

Фото: Guillaume Amat.

В рамках исследовательского проекта Bad Posture Chairs, представленного на Миланской неделе дизайна, Мара Браганьоло экспериментировала с различными положениями тела во время сидения, выходящими за рамки общепринятых представлений. Каждый элемент коллекции, выполненной из мореной березовой фанеры, основан на выявлении альтернативных поз и предлагает структуру, способную адаптироваться к ним, а не корректировать их. «Вместо того чтобы навязывать идеальную позу, стулья приспосабливаются к реальным, повторяющимся жестам: сидеть, скрестив ноги, свернувшись калачиком, наклонившись набок, подогнув одну ногу, или постоянно менять положение andmdash; все это заложено в дизайне, а не рассматривается как отклонение», andmdash; отмечает дизайнер. При разработке серии, балансирующей на стыке критических размышлений и игривого подхода, Мара Браганьоло вдохновлялась фотографиями из статьи Бруно Мунари, посвященной исследованию комфорта в неудобном кресле. Таким образом, она стремилась переосмыслить само понятие комфорта и сделать разнообразие отправной точкой проектирования.

Фото: Federica Borgato.

За более чем шестьдесят лет существования итальянская фабрика Artemide выпустила сотни объектов, в которых стремление к технологическим инновациям сочетается с постоянными дизайн-экспериментами. В основе ДНК бренда лежат непрерывные научные исследования, коллаборации с международными дизайнерами, включая молодых авторов, и поиск решений, улучшающих повседневную жизнь. Результатом этого подхода становятся проекты, раскрывающие разные грани света.

История и философия

Дизайнеры Эрнесто Джисмонди и Серджио Мацца основали Artemide в 1960 году в коммуне Преньяна-Миланезе, где компания базируется до сих пор. Уже тогда в основу философии фабрики легли три ключевые идеи: инновации, сотрудничество с выдающимися архитекторами своего времени и социокультурные исследования. Спустя шесть десятилетий эти принципы сохранились, адаптировавшись к современности. Сегодня компания продвигает гуманный и ответственный подход к освещению, сочетает технологии нового поколения с традиционными техниками и внедряет устойчивые решения.

Как предприниматель, инженер и дизайнер, Эрнесто Джисмонди подходил к каждому проекту комплексно: учитывал функциональность, качество и продуманный дизайн, а также механические аспекты, эффективность производства и простоту сборки.

Эрнесто Джисмонди дизайнер, основатель Artemide

Это похоже на волшебную формулу, и найти ее никогда не гарантировано. Нужно понимать потребности конкретного времени. Продукт должен быть оценен по достоинству, соответствовать стандартам красоты и гармонии, но при этом быть правильно произведен и выведен на рынок с корректным позиционированием и ценой.

Эрнесто Джисмонди и команда Artemide

С самого начала основатели сделали ставку на продуманный дизайн, который быстро получил признание профессионального сообщества. В 1967 году бренд был удостоен премии Compasso d’Oro за светильник Eclisse по дизайну Вико Маджистретти. За свою историю Artemide сотрудничал с Джо Понти, Этторе Соттсассом, Микеле де Лукки и другими ведущими представителями дизайна XX века. Список партнеров фабрики постоянно пополняется: сегодня в нем можно найти такие имена, как Жан Нувель, NeriandHu, Наото Фукасава, Foster + Partners, Сантьяго Калатрава и Herzog and de Meuron.

Eclisse, дизайн Вико Маджистретти

Физическим воплощением ценностей фабрики стал выставочный центр, открывшийся недалеко от завода Artemide в 2021 году. Его дизайн разработала студия Mario Cucinella Architects: пространство задумывалось не только как площадка для демонстрации знаковых объектов и новинок, но и как место для встреч, обмена мнениями и открытого диалога.

Fato, дизайн Джо Понти

В Artemide Exhibition Centre можно протестировать передовые разработки бренда и познакомиться с его этическим подходом. В понимании команды устойчивость строится вокруг трех элементов: материалов, энергии и здоровья. Фабрика стремится использовать решения, минимально воздействующие на окружающую среду.

Sintesi, дизайн Эрнесто Джисмонди

Callimaco, дизайн Этторе Соттсасс

Новая коллекция

На Миланской неделе дизайна 2026 Artemide представил новую коллекцию, разработанную в партнерстве с международными архитектурными бюро. В этом году фабрика также отмечает 10-летие сотрудничества со студией BIG — Bjarke Ingels Group, первым проектом которой стала модель Alphabet of Light. По словам команды, это партнерство строится на общих ценностях и диалоге, позволяющем по-новому интерпретировать опыт бренда.

Iperbole, дизайн BIG

В этом году BIG разработала систему минималистичных подвесных светильников Iperbole, созданных на пересечении элементарных геометрических форм. Каждая сторона описывает гиперболу, формируя арки, которые с разных точек зрения по-разному раскрывают белую внутреннюю поверхность — источник света.

Tetras, дизайн SOM

Среди других выразительных объектов — модель Tetras авторства SOM — Skidmore, Owings and Merrill. «Tetras рассматривает свет как архитектурный строительный блок — единый элемент, используемый для создания объемного освещения», — отмечает команда. Крестообразная структура становится архитектурным символом и частью модульной системы, способной существовать как самостоятельно, так и в составе более сложных конфигураций.

Boltons, дизайн Herzog and de Meuron

Швейцарская студия Herzog and de Meuron разработала лампу Boltons, исследующую границу между оптической точностью и выразительной глубиной стекла. Прозрачная структура, сформированная с помощью традиционной технологии с образованием воздушного пузыря, превращает свет в чувственный опыт. Точно сконструированная линза направляет луч вверх к подвижному отражателю. Проходя через стекло, свет умножается и искажается, формируя диалог между материалом, пространством и восприятием.

Торшер Vea, дизайн Foster + Partners

Торшер Vea, разработанный отделом промышленного дизайна Foster + Partners, представлен в двух вариантах высоты, что позволяет использовать его как в интерьере, так и на открытых площадках. Центральный элемент дизайна — V-образное основание, поддерживающее ножку и позволяющее ей отклоняться от вертикали на заданный угол.

Во всех этих проектах свет рассматривается в его разных аспектах: как структурный элемент, дополняющий архитектуру, и как гибкое, адаптируемое присутствие в пространстве, формирующее сценарии взаимодействия и повседневную среду.

На обложке: Sintesi, дизайн Эрнесто Джисмонди.Все фото: Artemide.

Расположенный в историческом здании 1950-х годов книжный магазин полностью переосмысляет формат интеллектуального городского пространства. Он объединяет кофейню, читальный зал, лекторий и уютную зону для встреч. Отказавшись от стерильного минимализма, дизайнеры студии 313 постарались создать «интерьер с памятью» — теплый, многослойный и литературный. Здесь нарочито много деталей, поскольку каждая призвана создавать ощущение уюта.

• Локация: Челябинск
• Площадь: 137 м²
• Автор: студия интерьерного дизайна 313
• Фото: Елизавета Гуровская

Особое внимание команда студии интерьерного дизайна 313 уделила функциональной трансформируемости пространства. В ее основу легли мобильные стеллажи, позволяющие легко менять конфигурацию зала под мероприятия. В обычные дни их расставляют для спокойных посиделок за книгой и неспешного общения, а во время лекций сдвигают для комфортного размещения слушателей. Центральным элементом интерьера выступил подвесной стол, «парящий» между несущими колоннами. С помощью такого архитектурного жеста дизайнеры обыграли два массивных объема, которые «съедали» полезную площадь. Теперь ярко-красная столешница предлагает гостям выбор между форматами одиночной, парной или групповой посадки. Опорой для концепции проекта стала смелая интеллектуальная эклектика. В оформлении сочетаются нотки современной классики, мягкость ар-деко, отсылки к стилю mid-century modern и аккуратные кирпичные поверхности. Цветовая палитра представлена сложным зеленым и глубоким винным оттенками. На них наслаиваются выразительные фактуры — теплое дерево и латунь. По исходной задумке, неожиданный микс подчеркивает исторический контекст здания. Арочные окна первого этажа наполняют интерьер естественным светом, усиливая ощущение торжественности.

На Salone del Mobile 2026 итальянская фабрика IVG Home Collection представила новую коллекцию Poetica. В нее вошли в том числе предметы, созданные Раисой Маляренко andmdash; победительницей конкурса для предметных дизайнеров, который бренд провел в рамках выставки ARTDOM в феврале этого года. Для ее практики характерны эксперименты с выразительными геометрическими формами. Кроме того, дизайнер свободно сочетает разные фактуры и материалы, от дерева и мрамора до меха и металла. Новую коллекцию фабрики пополнили пуф Bambino с вращающимся основанием и столик Vagabond по дизайну Раисы Маляренко.

Объекты из коллекции Poetica, вдохновленной эмоциями и повседневной красотой, превращают дом в чувственную среду. Дизайнеры сделали акцент на плавных линиях, благородных материалах и обволакивающей цветовой палитре: вместе они привносят в пространство ощущение гармонии и легкости. Все предметы воплощают сдержанную элегантность и сочетаются друг с другом, создавая завершенный образ в интерьере.

Фото: IVG Home Collection.

Официальным представителем IVG HOME COLLECTION является компания ARCHISTUDIO. www.archistudio.su / +7 495 589-15-64

«Тренд» — это новая исследовательская рубрика Design Mate о том, как формируются, развиваются и работают тренды в дизайне и архитектуре. Мы рассматриваем тренд как явление: откуда он появился, как проявляется сегодня и что с ним будет дальше, какие запросы рынка и общества он отражает и как на него реагируют бренды, дизайнеры и архитекторы. В первом материале Виктор Дембовский разбирает, как дофаминовые интерьеры прошли путь от виральности до устойчивого направления.

Виктор Дембовский дизайнер, историк архитектуры и дизайна, автор Telegram-канала Design Atlas

За последние три года «дофаминовый интерьер» оформился из вирусного понятия в устойчивое направление: больше цвета, фактуры, юмора и персональных «якорей радости» вместо универсальной нейтральности и «грустного бежа».

Долгое время яркие и нестандартные интерьеры продвигались и проектировались в основном самими дизайнерами и редкими энтузиастами, а большинство людей выбирали более безопасные решения, которые воспринимались как универсальный ответ на любой запрос. Но во время пандемии, когда люди месяцами были вынуждены находиться дома, стало очевидно: одного «хорошего вкуса» недостаточно. Пространство должно работать не только эстетически, но и эмоционально.

Дом в Аспене по проекту Patrick Mele. Фото: Miguel Flores-Vianna

Параллельно начало расти количество блогеров, которые наполняли белые стены арендных квартир яркими предметами. Они подбирали текстиль с выразительными орнаментами, перекрашивали и перетягивали мебель, искали нестандартный декор и за короткое время набирали сотни тысяч подписчиков. Многие из них не были профессиональными дизайнерами, но при этом повлияли на вкус миллионов.

Так в массовой культуре закрепилось понятие дофаминовых интерьеров — пространств, которые воздействуют на человека через цвет, контрасты, игру и личные ассоциации.

Сам термин пришел из fashion-индустрии, которая быстрее реагирует на изменения в обществе, и изначально звучал как dopamine dressing. Его ввела fashion-психолог Дон Карен (Dawnn Karen), развивая концепцию mood enhancement dressing — идею о том, что одежда может осознанно использоваться для улучшения эмоционального состояния.

Квартира в Нью-Йорке по проекту Alton Bechara. Фото: Ethan Herrington

После пандемии эта теория получила массовое подтверждение: яркие цвета стали способом вернуть ощущение энергии и контроля над жизнью. Одежда превратилась в инструмент эмоциональной саморегуляции. Дальше сработала привычная логика трендов: идея быстро перешла из моды в интерьерную журналистику. Уже в 2022 году профильные медиа начали обсуждать перенос принципов dopamine dressing в интерьер. Тогда же впервые появились формулировки dopamine interiors и dopamine décor, а к 2023 году термин становится частью профессионального языка. Вслед за дизайн-медиа тренд подхватили ведущие мировые выставки мебели и освещения, а затем и сами дизайнеры.

Проект Sam Buckley. Фото: Alix McIntosh

Несмотря на эту динамику, «дофаминовый интерьер» все же не стал полноценным стилем. Скорее, благодаря профессиональному сообществу сформировался набор приемов и инструментов, которые позволяют сделать пространство эмоционально насыщенным. При этом основой может оставаться практически любая стилистическая основа, от Паризьена до контемпорари.

Иммерсивный цвет вместо акцентов

Colour drenching (от англ. «цветовая заливка») и его вариации работают здесь не как декор, а как полноценная цветовая среда. Когда цвет занимает все пространство — стены, потолок, мебель, — он перестает быть элементом и становится атмосферой. Возникает эффект кокона: пространство буквально обволакивает. Именно поэтому этот прием особенно хорошо работает в небольших помещениях — коридорах, кухнях, кладовых и рабочих зонах. Там он дает максимальную плотность переживания.

Проект Stephanie Barba Mendoza. Фото: Kensington Leverne

«Конфетные» цвета как быстрый триггер

Второй слой — это яркие, почти искусственные оттенки: вишневый, лаймовый, желтый, фуксия. При этом они редко используются тотально. Это скорее точечные вмешательства: один предмет, одна поверхность, один цветовой жест — и пространство уже меняется. Отсюда же появляется феномен unexpected red — неожиданный красный как микросценарий радости. Минимальное вмешательство, но очень заметный эффект.

Дом на Ибице по проекту Casa Muñoz. Фото: Matthieu Salvaing

Контролируемый максимализм

После долгого периода «чистых» интерьеров возвращается сложность, но без хаоса. Принты, искусство, коллекции снова становятся важной частью пространства, но при одном условии: должна быть система — повторяющиеся цвета, ритм, иерархия. Все должно быть объединено одной идеей и образом. Мозг хорошо воспринимает разнообразие, если оно структурировано, и быстро устает от случайного набора стимулов.

Блеск как новый акцент

Лак, хром и отражающие поверхности — реакция на многолетнюю матовость и «скандинавскую тишину». Глянец возвращает интерьеру глубину и динамику: он усиливает цвет и добавляет движение. При этом это один из самых требовательных инструментов — он не прощает ошибок в отделке и быстро превращается в визуальный шум, если его слишком много.

Квартира в Милане по проекту Chromastudio. Фото: Chromastudio

Мягкость формы и тактильность

Параллельно с цветом меняется геометрия. Жесткие линии уступают место округлым, более «дружелюбным» формам. Это не только эстетика: исследования показывают, что человек действительно воспринимает мягкие формы как более безопасные и комфортные. Добавьте к этому текстиль — букле, бархат, шерсть и другие плотные ткани — и возникает эффект «дома-кокона».

Салон красоты в Минске по проекту Елены Ерашевич. Фото: Екатерина Самойлович

Свет как сценарий, а не функция

Свет перестает быть только технической задачей и становится частью композиции. Многослойные сценарии, цветовые акценты, «неожиданные» светильники как арт-объекты — все это работает на атмосферу. Иногда именно свет собирает интерьер в единое целое.

Интерьер в Париже по проекту Atelier HA. Фото: Янник Лабрусс

Пространство как набор зон

Микрозонирование — еще один важный сдвиг. Мы больше не делим пространство стенами; мы делим его сценариями внутри функциональных зон. Цвет, свет и мебель используются для создания «островов» внутри пространства. Это напрямую связано с образом жизни: одна и та же комната работает по-разному в течение дня.

Экология как часть комфорта

И, наконец, важный слой — устойчивость. Сегодня «радость от интерьера» включает не только визуальное, но и физическое ощущение: качество воздуха, материалы, происхождение вещей. Краски с низким содержанием летучих органических соединений, винтаж и апсайклинг перестают быть частью идеологии и становятся частью реальной практики.

Дофаминовый интерьер — это не про яркость ради яркости и не про набор эффектных предметов. Это про смену самой логики проектирования от визуального впечатления до физических ощущений. И в этом смысле он не противопоставляется стилям, а работает поверх них — как дополнительный слой, который делает пространство живым, личным и позитивно влияющим на настроение и тонус в ситуации постоянной турбулентности.

На обложке: проект Sam Buckley. Фото: Alix McIntosh.